艺术论文 ：对中国当代水彩画教学中几个问题的再认识[1]

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内容摘要： 长期以来人们习惯于将水彩画看作是小品，仅将其当作色彩基础练习，或将简单的水墨技巧移植当成了水彩画民族化。这些观点 一直影响着水彩画的教学，现已显露出其对水彩画发展的不利影响。我们有必要重新审视这些观点。

关键词： 水彩画 弊端 技术 艺术 创作观

水彩画传入我国已有200年的历史，在学校美术教学中作为一门课程也将近100年历史了，它成为一个很普及的画种，近年来大大小小的水彩画展又使得这一画种更显活跃。然而，与其他画种（油画、国画）相比，我们不得不承认仍存在着差距。长期以来在水彩画教学中，人们对水彩画的几个问题形成了固定的观点，现已渐渐露出弊端，近来正被一些水彩画家、水彩画教师怀疑。在此就过去人们在水彩画中几个习以为常的观点作一番重新审视。

一、“水彩画适于做富有诗意的抒情曲，不适于做过大幅面的、长期反复修改及深入刻画的大场面制作，适合轻快的、一挥而就的作业。”

目前国内大部分的水彩画教材开篇都是这样介绍水彩画的特性的，学生们最初接触水彩画时，书本及老师们就向他们灌输这种观点。于是在他们今后的水彩画学习与创作的道路上，基本上就是以小幅面的写生为主，作品面貌基本上是以淋漓的水分、轻快的大笔扫过纸面的“抒情曲”，画些诸如雨中树林、江南水乡一角、花卉静物之类的小品。在绝大多数的水彩画展里、水彩画集中我们所看到的无非是上述类型的小品画，据一些水彩画作者说此类小品容易出售，送个礼人家也喜欢，可谓“雅俗共赏”了。

从初学者入门的角度来看，或者从平时水彩写生练笔的角度来看，这样一种对水彩画的认识与练习或许有一些道理，它能让人们快捷地掌握一些水彩画技巧。但如果将此种观点作为一种教条，带来的负面影响也是很明显的，许多水彩画作者长期（甚至毕生）以此观点作为他们的绘画指导思想，无形中给自己的绘画创作加了束缚，这就等于刚起步就先给自己戴上了金箍，先给自己画定一个小圈圈，然后在这个狭小的圈圈里作画，所以许多人始终满足于涂绘“轻快”的小品。

其实，我们认真仔细地分析国外水彩发展史上的各时期、各类型作品，就可以发现前辈大师及国外当代同行们的水彩画探索之路是很广的。例如德国文艺复兴时期的绘画大师丢勒，他的水彩画作品《一簇樱草》等，就画得很精细、工整，并略施以粉质，体现了北欧艺术家的严谨、理性。再如美国当代的现实主义绘画名家罗伯·俄尔多的水彩艺术探索，就经常绘制巨幅画面，在水彩原有的明快上又增加了一种宏伟的气势。再来看看被人称为“怀乡写实主义”的美国当代画家安德鲁·怀斯的作品，他的一些人物画和风景画，色调深沉，细节刻画细腻，而这些细节对于传达他的忧郁的情绪是非常重要的，画面呈现出一种沉重的分量感，引人深思。我们的水彩画是引进的，在学习的过程中由于认识得不全面，只是学习了其中某一部分而漏掉了许多珍贵的东西。而在我们的水彩画教学中又将学到的这一部分固定为教条，代代相传。要想改变这种状况，真正繁荣水彩画，那还得从头做起，认真学习水彩画传统，从源头学起，广采博收，不要作茧自缚，开拓水彩画的广度、深度。

二、水彩画工具简便，利于普及，适于作为美术专业的色彩基础课

这也是广泛流传于水彩画教学界的一种观点。在20世纪初，我国最早的师范学堂—两江师范学堂设置了图画手工科，其中就有水彩课程。自那时起，我国许多学校先后都开设了水彩画这门课程，直至现在，小学、中学以及许多初学绘画者往往从水彩画开始培养色彩感，由此水彩画得到了很大的普及。那么，让我们来看看各学校的美术教学是如何开展水彩画教学的。通常，在小学、中学、美术高考班直到大学美术专业，水彩画教学的中心是“写生色彩学”，在具体的教学实施中是将水彩画作为色彩基础课来教的，几乎是一门纯技术的课程。虽然几乎每本水彩画教材的开头部分都会提及在水彩画教学中培养审美能力和创造能力的重要性，教师们在开课时也会讲到这一点，然而在以后的具体教学中，这一重要性通常都无从体现，没有贯彻落到实处，成了一句空话。这也是以上固定思维对学生今后的艺术发展带来的不利影响，也正因为只是将其作为色彩基础来传授，将其仅作为技术来传授，所以，事实上有许多学生毕业后再也没有画水彩画的兴趣了，试想谁乐意一辈子都在作基础练习呢？许多从院校毕业的人多年以后水彩的水平不升反降，这是怎么了？该反思我们的水彩画教学了。正是这种不强调艺术性（或只在口头上提及而不落实）而只作技术层面的传授，导致了艺术性与技术的割裂，导致了他们创作欲的冷却，一旦毕业就抛弃了画笔，水平当然是大幅下降。

由此，我们应该反思我们的水彩画教学目标、方法等方面的问题。这里涉及到了如何看待和把握技术与艺术的关系的问题。在艺术学习过程中，技术相艺术类论文